Й. Гайдн/ В. Моцарт - Эмиль Гилельс, Московский Камерный Оркестр, USSR, 1978

Народный артист СССР, лауреат Ленинской премии Эмиль Гилельс — один из выдающихся деятелей советской музыкальной культуры. Имя музыканта, ставшее известным с середины 30-х годов после блистательных побед на Всесоюзном и международных конкурсах, приобрело ныне широчайшую популярность во всем мире. Трудно перечислить все города Советского Союза и зарубежных стран, где гастролировал советский пианист.

Творчество Эмиля Гилельса охватывает различные сферы исполнительской деятельности. Помимо сольных программ, он играет с крупнейшими мировыми оркестрами, выступает в ансамблях. Одновременно ведет обширную педагогическую и общественную работу, являясь профессором Московской консерватории, членом жюри многих международных конкурсов.

Его репертуар огромен и включает произведения всех эпох и стилей. Особенно часто Эмиль Гилельс обращается к крупным циклическим формам, нередко посвящая свои концертные выступления и записи исполнению сонат или концертов с оркестром. Это циклы сонат Д. Скарлатти, Ф. Э. Баха, Гайдна, Клементи, сонаты Моцарта, Бетховена, Шуберта, Шумана, Шопена, Листа, Чайковского, Глазунова, Метнера, Прокофьева, Шостаковича, Вайнберга, фортепианные концерты Гайдна, Моцарта, Бетховена, Шопена, Мендельсона, Листа, Брамса, Сен-Санса, Пуленка, Прокофьева, Кабалевского.

Йозеф Гайдн (1732—1809) работал во многих областях музыкального искусства. Но наибольшим вниманием композитора пользовались жанры симфонии и струнного квартета, в создании которых он сыграл решающую роль. Сочинения для отдельных инструментов занимают в творчестве Гайдна меньшее место. Однако среди них есть немало подлинных шедевров. К их числу принадлежит Концерт ре мажор для фортепиано. Изданный в 1784 году, он бесспорно является наиболее значительным среди аналогичных по жанру произведений композитора. Он полон юношеской непосредственности чувств; неисчерпаемое богатство фантазии соединяется с четкой, лаконичной формой.

Концерт состоит из трех частей. Первая часть (Vivace) от начала до конца проникнута жизнерадостным настроением. Форма ее — сонатная, с двойной экспозицией и каденцией (по образцу концертов Моцарта). Главная партия невелика по объему и насыщена большой энергией. Тема связующей партии, тоже очень лаконичная, чуть более спокойна и напевна. Побочная партия шире по масштабам: ее первая тема интонационно и по характеру тесно связана с главной партией, а вторая, овеянная легкой меланхолией, родственна побочной. В разработке проходят мотивы из всех звучавших ранее тем. После репризы дается каденция солиста и оркестровое заключение.

Музыка второй части концерта (Un poco adagio), на первый взгляд, простая, полна утонченной выразительности и богата нюансами. Примечательна перекличка солиста и оркестра на повторяющихся нотах в среднем разделе. Фортепианной партии свойственна гибкость мелодического рисунка.

Финал (Allegro assai) озаглавлен «Рондо в венгерском стиле». Однако, по мнению ряда исследователей творчества Гайдна, в финале ощущается влияние музыкального фольклора южных славян. Так, главная тема рондо основана на теме боснийского танца «Сири Коло». Близость финала к народной музыке сказывается в интонационном строе, зажигательности и яркости музыки. Тема первого эпизода (ре минор) исполнена несколько тяжеловесного юмора, а тема второго эпизода (си минор) проникнута беспокойной, романтической устремленностью. Завершается финал жизнеутверждающими, ликующими аккордами фортепиано и оркестра.

Произведения Моцарта сохраняют значение недосягаемых образцов в любом роде композиции. В области инструментальной музыки Моцарт явился основоположником фортепианного концерта в современном смысле слова: он был первым автором, который писал сольные партии в виртуозном плане, способные с успехом противостоять звучанию полного состава оркестра. Наделенный феноменальными пианистическими данными, выступая с детских лет как пианист-исполнитель, Моцарт глубоко постиг природу фортепиано. Его концерты представляют собой не только высокохудожественные сочинения, но и школу пианистического мастерства. В них использованы всевозможные виды фортепианной техники. В творчестве Моцарта окончательно утвердились некоторые важные конструктивные закономерности жанра концерта. Число частей, как правило, составляет три, и средняя часть проходит всегда в спокойном темпе. Первые части пишутся в сонатной форме, а экспозиция основных тем дается дважды — сначала в оркестре, затем в партии солиста. Перед концом первых частей (а иногда и других) вводится каденция солиста — исполняемый без сопровождения вставной эпизод, нечто вроде небольшой фантазии на темы данной части, где солист показывает свое виртуозное мастерство.

Концерт № 21 (до мажор, по Кёхелю 467), созданный в 1785 году, принадлежит к числу лучших фортепианных сочинений Моцарта. Подобно другим зрелым творениям композитора, он поражает прежде всего изобилием и красотой мелодий. Необычайная логичность последования музыкальных мыслей, концентрированность выразительных средств и полное равновесие между партиями солиста и оркестра приближают это произведение к типу симфонии с концертирующим фортепиано.

В концерте три части. Первая (Allegro maestoso) проникнута мужественностью и энергией. Вторая экспозиция включает в себя, по сравнению с первой, оркестровой, новые темы. Главная партия второй экспозиции основана на двух темах, одна из которых, звучавшая уже раньше в оркестре, носит маршеобразный характер, а другая, исполняемая впервые пианистом, более напевна. Несколько взволнованная тема связующей партии, также порученная пианисту, замечательна своей экспрессивностью. Тема побочной партии проста и непритязательна. Вторжение интонаций маршеобразной темы главной партии придает музыке более действенный характер. Бьющая ключом энергия здесь изливается в блестящих пассажах фортепиано (до конца экспозиции). Разработка начинается с новой темы, близкой по настроению к теме связующей партии. Далее подвергается развитию мотив, заимствованный из оркестровой экспозиции. Он звучит у струнных и деревянных духовых, тогда как пассажи фортепиано, контрапунктируя с оркестром, имеют самостоятельное значение. Реприза сокращена — в ней отсутствует вторая тема главной партии. После побочной, изложенной в основной тональности, следует каденция пианиста и оркестровое заключение.

Вторая часть концерта — поэтичное, полное благоухания Andante — жемчужина фортепианной музыки Моцарта. В сущности, это — оперная ария, как бы переложенная для фортепиано с сопровождением оркестра. Сменяя одна другую, свободно льются мелодии необыкновенной красоты, создавая впечатление ничем не прерываемого лирического монолога. Andante, как и первая часть, написано в сонатной форме с двойной экспозицией. Безмятежная и спокойная вначале, музыка постепенно становится все более трепетной, и к моменту вступления побочной темы достигает довольно значительной внутренней напряженности. Напряженность ощущается и в начале разработки. Появление главной темы вносит кратковременное успокоение, после чего вновь следует большой эмоциональный подъем, приводящий к кульминации. В самом конце звучность затихает.

Оживленное, радостное настроение царит в третьей, последней части концерта (Allegro vivace assai). Изящество и ритмическая упругость финала рождены танцевальным началом. Основные темы получают довольно значительное развитие и по характеру скорее дополняют друг друга, чем контрастируют между собой. Форма сочетает в себе черты сонаты и рондо. Главная тема — рефрен — проходит преимущественно в оркестре. Тематический материал связующей и побочной партий в основном поручен солисту. Фортепианное изложение в них отличается большим блеском. Разработка основана на мотивах главной партии. Перекликающиеся фразы фортепиано и оркестра придают музыке особую живость. Реприза по сравнению с экспозицией сокращена. Как и в первой части, перед заключением пианист играет каденцию.